DISUASIÓN:
Femminismo e Resistenza
Cile/Italia 2022
Estefania Muñoz Cabrera, Mariel Caamaño Muñoz
e PANGUI
Bracciano
Chiostro degli Agostiniani
08-13 Luglio 2022
A cospetto di violenze ed imposizioni di stato, conflitti, occupazioni, migrazioni e crisi politiche, ci si chiede se il concetto costituzionale detiene ancora un valore protettivo. Cosa vuol dire avere diritti in Cile ma anche in Italia, negli Stati Uniti, in Russia? Oggi chi sono i soggetti realmente protetti dalle garanzie costituzionali e chi ne gode de facto?
Come dice la giornalista Gabriella Saba guardiamo al Cile, che dal 2019 ha intrapreso una ricostruzione progressiva del modello costituzionale a favore delle minoranze indigene e di genere. Il modello coloniale Cileno viene reinterpretato per tenere attivo il valore fondante del diritto, non per distruggere ma per creare un futuro più sostenibile. In questa lotta si sono unite le diversità di un paese ancorato a forti strutture coloniali sostenute dal quadrilatero grigio del militarismo, classismo, sessismo, razzismo.
Mapuche, popoli indigeni, studenti, musicisti, attori, scrittori, attivisti LGBTQ stanno cambiando il loro paese e noi dovremmo saper cogliere questo impulso vitale. Come dice il filosofo Franco Berardi, non si tratta di speranza (una parola erbosa) ma di futurabiltà, ossia la possibilità concreta di cambiare e di farlo non in senso astratto ma in senso strategico, attuale. Le tre artiste Cilene ci propongono delle visioni che, attraverso un esercizio dissuasivo, articolano la presa di coscienza che scuote la nuova arte contemporanea cilena.
Estefania Muñoz Cabrera condivide un libro d’artista “El miedo a ser devorada- la paura di essere divorata”, che unisce immagini e testi provenienti dal proprio privato, secondo una cronologia prestabilita. Il contenuto di questo documento articola una confessione legata ad alcuni avvenimenti traumatici di abuso familiare. Il messaggio viene lanciato attraverso una certa normalizzazione del flusso delle immagini. Il nocciolo teorico sembra essere questa neutralità, imposta al documento visivo nel consumo delle immagini, mentre la narrazione personale di Muñoz trasmette una potenzialità politica come confessione inter-soggettiva. Muñoz lancia un messaggio di consapevolezza femminile legato alla memoria, appunto, citando Carole Hanisch the personal is the political.
Dunque la presa di coscienza dell’esistenza di un segreto inconfessabile taciuto per anni diviene finalmente un manifesto di denuncia sociale della condizione di vulnerabilità che vivono le donne sin da bambine.
Mariel Caamaño Muñoz propone un' installazione “ La no perdida. Sucesos prósperos y adversos - La non perdita. Eventi prosperi e avversi” incentrata sulla perdita di un figlio e la trascendenza del dolore attraverso il contatto con la natura. Nel quadro femminista, questa è una riflessione sulla maternità come esperienza personale ed una critica indiretta alla costruzione della figura materna all’interno di un sistema fortemente patriarcale. Caamaño usa elementi simbiotici per creare uno spazio rituale dove poter oltrepassare sia il trauma personale sia una colpa sociale. In questo spazio personale/sociale/naturale troviamo anche elementi sonori e fotografici legati alla fase prenatale. Ricordando alcuni atti di psicomagia di Regina Josè Galindo, Caamaño ci invita a prendere parte ad un atto di rigenerazione sociale attraverso la sua esperienza di auto-guarigione. Il lavoro della Caamaño rappresenta quindi un esercizio di resistenza che fa l'artista nei confronti dello scopo riproduttivo imposto dalla società patriarcale alla donna.
L’opera di Pangui “Bitacora de Viaje - diario di bordo” prende spunto dal Cyborg Manifesto di Donna Haraway e dalle considerazioni sulla società del controllo di Michel Foucault e Byung Chul Han per affrontare questioni riguardo alla nozione di confine (border), il corpo femminile (sexed body), conoscenza situata (situated knowledge), mobilità e sorveglianza. Pangui ha iniziato la sua performance viaggiando in Europa prima di giungere alla residenza Italiana indossando un karategi (kimono da karate) da uomo giacché pensato per concedere piu spazio al corpo, al contrario della versione femminile di tale divisa. Il karategi così viene utilizzato come una superficie su cui Pangui narra la propria narrazione “bitacora” del proprio viaggio. Il kimono offre una superficie pronta alla scrittura, resistente e bianca, ma anche ambivalente, perché è allo stesso tempo un indumento che suggerisce una certa forza attiva ma che offre protezione al corpo. L’ascesi necessaria alla scrittura crea un corpo neutro che gioca tra l’invito alla partecipazione ed una certa rigidità sacrale. L'installazione progettata per il Chiostro degli Agostiniani di Bracciano (Roma) include l’esibizione del kimono e la proiezione di un video montaggio in cui si testimonia la scrittura del corpo attraverso gli spostamenti dell’artista.
Il corpo di una donna in movimento non è mai al sicuro, mai completamente libero.
La visione femminista e femminile offerta da queste artiste restituisce un racconto eterogeneo e contemporaneo della condizione di fragilità dell’essere umano/donna senza mai perdere di vista lo scopo ultimo, risvegliare le coscienze attraverso le proprie opere.
Full Renaissance:
Amirhoussein Akhavan’s Roman Retrospective
Tibaldi Arte Contemporanea,
18 Via Panfilo Castaldi, Roma
16/09/21 - 30/09/21
“Here in Tehran I live in the full Renaissance, around 1400 on your calendar,” says the Iranian artist Amirhouseein Akhavan.
For his first European show, Tibaldi Contemporanea exhibits a selection of works by Amirhousein Akhavan curated by Milos Zahradka Maiorana. Each work presents a piece of a personal history stretched between New York and Tehran.
Consequently, these works shed light on the troubled history of the Iranian people. The contemporary painting of the New York school (Philip Guston in primis) is grafted onto the reminiscences of an ordered, Italian, Renaissance-like tableau. Akhavan proposes a personal reading of Piero della Francesca's Flagellation of Christ in a super-size version, with a pastel-colored jet.
Moving between pressures and bodies, Akhavan offers a narrative of people on the fringes of power, from detained illegal immigrants on the Texas border to the brave face of an editor of a women's magazine in Tehran (Zanan). In the Keeping the Peace series, faceless soldiers coagulate in explosive tangles. Captivating and complex, Akhavan's selection of works convey an inextinguishable sense of humanitas in a world in constant revolution.
Irene Barberis: A Response to Sol Lewitt’s Italian Studios
01/20/2020 - 02/04/2020
In this exclusive exhibition, the first in Rome, Tibaldi Arte Contemporanea presents an exhibition-reflection between Irene Barberis and the creative spaces of the famous American conceptual artist Sol LeWitt. Barberis is the first worldwide artist who was able to engage in a creative dialogue in the Italian places where LeWitt meditated and created.
Irene Barberis is an Australian / English artist. She met Sol LeWitt in 1974. Their friendship lasted 30 years until the American artist's death in 2007. Irene had the privilege of working in LeWitt's studio in Chester, Connecticut (USA) experiencing the spaces and processes of creation. In this Roman solo exhibition, Barberis shows us some impressions / reactions to LeWitt's Italian studies in Spoleto and Praiano. With very limited materials and little time available, Barberis has built a language of exchange made up of various conceptual intersections of “forms within forms” and “color phrases,” including the annotations of the conceptual formation process.
The Australian artist's oeuvre is distinguished by the use of the metaphysical power of color and the use of materials linked to technological development, various plastics, synthetic alloys, and new forms of lighting. Barberis is a painter who creates new media installations and presentations with a keen eye for the performative and choreographic element: it is important to note that Irene's artistic work comes in principle from the practice of classical dance. Movement and color come together in what she calls psycho-choreography. Barberis is an artist who reflects the most unique problems and possibilities of the contemporary world recalling Heidegger's
interpretation where the essence of technology is not exactly the techne inherent in pure objectivity but something more intimate to man as such, perhaps the technology of spirit.
Visions of the Euphoric City:
Rome In the Eyes of Carole Robb and Andrew Stahl
02/22/2020 - 03/12/2020
https://www.oggiroma.it/eventi/gallerie/carole-robb/52036/
Galleria Tibaldi Contemporanea presents the Visions of the Euphoric City project, curated by Milos Zahradka Maiorana, consisting of two interconnected and consecutive exhibitions:
Carole Robb from 7 to 22 February 2020
Andrew Stahl from 25 February to 12 March 2020
The works on display emerge during the return to painting period of the early 1980s, an alternative to the minimalist discourse. Carole Robb and Andrew Stahl, both winners of the Prix de Rome, deepened their knowledge of the city of Rome during residences at the British Academy: the exhibitions are, therefore, a postmodern reference to the city and its
atmospheres proposing a sort of playful Fellinian vision of the Eternal City. Robb's works are a complex and layered combination of mythical, cinematic and poetic elements. Both a profane gaze and vision of the Roman night landscape in the vein of Pier Paolo
Pasolini’s Mamma Roma (1962): dreamy images and impressions of nightclubs, carabinieri cubicles, 24hr flower stalls. Such scenes of contemporary life in the metropolis are interposed with hallucinatory visions of ghosts that emerge from the past amidst monumental elements. Illuminated figures in the darkness of the night and phantasmagoric images develop in Robb's
visual matrix: these characteristics are found since his first stays in the city, during the many residences at the British Academy (BSR). Robb’s black and white heads are drawn from the alternative faces of ordinary people she met on the streets but also from the busts of the emperors kept in the Capitoline Museum interposed with American movie stars: from the golden face of Caesar to the stony of Clint Eastwood. All of Robb's works have a presence both visceral and dreamlike, whose images come to life from her personal experience of the city.
During his two artistic residencies at the British Academy (BSR), Stahl amassed a vast tableau of
impressions and images drawn from the urban landscape with particular attention to Rome’s
fountains. Stahl shows a confluence of frames of thought, sensations, reveries, held together by a sense of poetic tension. His travels to Asia and his recent retrospective in the United Arab Emirates reveal Stahl's interest in other ways of conceiving painting by approaching some non-Western concepts related more to the temporal dimension, the duration of the painting; in the same way, Stahl takes his cue from the perspective fragmentation of Sienese painting and the first Cubist experiments. In Stahl's work the fountains of Rome represent the flow of time and the effervescence of creation while the insertion of the figurative element is an invitation for the eye to participate in this euphoric vision.
Lontananze (Distances)
Martina Di Carlo al Centro D'Arte ME,
Oriolo Romano, Italy
08/15/2020 - 10/18/202
Martina Di Carlo's selection is part of a photographic project that originates from two works of the same name, the French film by Alain Resnais from Hiroshima Mon Amour (1959), and above all, the song with the same title by the English new wave group Ultravox from 1978. The first lines of the Ultravox lyrics offer a suggestive introduction:
Somehow we drifted off too far
Communicate like distant stars
Di Carlo's photographic journey is structured like
wandering in this indefinite space. The question at the root of this exhibition is: How do we live distance? First of all, we need to define what we mean by distance. Is it an objective distance? Distance as inner tension or as emptiness? Distance as a painful separation from what one loves or as the space of freedom?
I love you with a love that is more than love, said Edgar Allan Poe. We bring to life what is inanimate and cold; we create infinite distances to live interior valleys where sensations are deposited like sand. Distance presupposes touching since touch bridges the distance in difference. Without distance, touch would be an inert gesture; when the lover touches us she fills an unbearable distance, when we move away from pain distance is our great health.
ZOOM: Pathos of Distance in the Contemporary
Chiostro degli Agostiani (XIII), Bracciano, Italy
Dates: TBD
An event on creative distance, what Nietzsche called the "pathos of distance," in the sense of an essential distance for the aesthetic experience as distance allows the work of the imagination to conceive beauty. Italo Calvino in "The Path of Spider's Nests" reinterprets the Nietzschean concept of distance as a stimulus for the appreciation of what lies at a distance or too close. We always need an aesthetic distance to appreciate what is too close to us. In the contemporary world, this concept has found its place in the definition of glocalization understood as a positive relationship between what is local and what is distant. Starting from these concepts, the curators
developed an inter-continental exhibition that is a space of creative distance, a nexus between the distant and the contingent. Even more so, in the light of recent events, this concept seems likely, although we are forced to limit our vital movements, we are immersed in the global universe that communicates to us without limits and beyond any barrier or sense of belonging.
Artists:
Carlos Franco Maldonado (US)
Martina di Carlo (IT)
Antonia Petrini (GR)
Sara Nicomedi (UK)
Mauricio Garrido (Ch)
Piotr Bujak (PL)
Peter Murray (US)
Frdrik Snaer Fridriksson (IS)